Este 2016 realizaremos el primer evento en el Centro Cultural Paul Harris en Ciudad de la Costa. El nexo curatorial de la 1a edición está basado en la búsqueda de estéticas no convencionales.
"... si construir el futuro y asentar todo definitivamente no es nuestro asunto, es más claro aún lo que, al presente, debemos llevar a cabo: me refiero a la crítica despiadada de todo lo existente, despiadada tanto en el sentido de no temer las consecuencias de la misma y de no temerle al conflicto con aquellos que detentan el poder [the powers that be]."
The powers that be - Roger Waters
Esta entrada de blog ha sido generada para crear una base de datos concerniente a esta búsqueda y análisis sobre estéticas no convencionales, las frases en rojo son enlaces web a páginas q visité buscando info, son webgrafías que pretenden involucrarte con el tema y mi busqueda, su objetivo es abrir y/o generar un diálogo, puedes aportar material web a catalina@halles.cl si te parece apropiado.
Mainstream es un anglicismo que literalmente significa corriente principal, se utiliza para designar los pensamientos, gustos o preferencias predominantes en un momento determinado en una sociedad. Toma relevancia en los estudios mediáticos actuales al reflejar los efectos de los medios de comunicación de masas del siglo XX sobre la sociedad contemporánea.
Se emplea al hablar de arte (música y literatura principalmente) designando los trabajos que cuentan con grandes medios para su producción y comercialización, y que llegan con gran facilidad al público en general. Un buen ejemplo de mainstream podría ser la cultura formada en torno a la música pop, producida principalmente para su comercialización y en muchos casos con el objetivo de obtener la mayor cantidad de ventas y beneficios económicos, y no como una expresión artística. El mainstream en el arte ocasiona, la mayoría de las veces, una gran pérdida de cultura, esfuerzo y calidad artística.
Artística mente, por tanto, puede utilizarse con un matiz peyorativo, para caracterizar obras de carácter excesivamente comercial y poco innovador o artístico. También puede utilizarse con un tono neutro, para designar las obras pertenecientes a artistas consagrados o corrientes artísticas consolidadas, aceptadas y consumidas masivamente por el gran público.( Mainstream Wikipedia )
O con humor:
El arte no convencional se refiere a todo arte que no está sujeto al Mainstream, que es una praxis regulada. El Outsider, está fuera del sistema y es precisamente a partir del término independent que surge el concepto indie abarcando a todas aquellas propuestas que se ubican fuera de los límites de lo sugerido por la cultura principal o mainstream.
" lo que me llama la atención de lo indie es el que en su estilo cabe “un poco de todo”, incluso “lo fresa”, totalmente proscrito de las culturas juveniles clásicas. Esto, en el ámbito de las imágenes creadas en la ‘zona de influencia’ de lo indie, por llamarle de alguna manera a esos bares, revistas o páginas web donde tienen cabida esas propuestas estéticas que combinan lo kitsch, elementos de la cultura de masas, mucha ironía, trazos infantilizados, referencias a la perversidad sexual e incluso lo popular"
"La ambigüedad en el estilo de las imágenes, el uso de elementos que yo denomino “interseccionales”, así como ciertas tensiones en el significado de “lo auténtico” y “lo falso”, hacen que lo indie favorezca la conformación de identidades performativas. Esta flexibilidad de lo performativo colisiona con las categorías identitarias cerradas, propias de sociedades tradicionalistas , generando nuevos reacomodos y resignificaciones simbólicas. Por el contrario, a pesar de que el indie puede llegar a ser “rupturista” con la concepción tradicional de “identidad juvenil”, no necesariamente es “rupturista” desde el punto de vista “del mercado”. La identidad como un producto, y esencialmente performativo, se está convirtiendo en uno de los fundamentos de una sociedad abocada al consumo y mercantilizante, con la idea de la búsqueda eterna del “sí mismo”
(ensayo completo Espinosa Zepeda, Horacio. ¿La transgresión se consume? Un acercamiento a lo “indie” a través de imágenes.
Revista Latinoamericana de Ciencias Sociales, Niñez y Juventud .Vol. 7 no. 1 ene-jun 2009)
Se acusa a la cultura de masas por fabricar a gran escala, con técnicas y procedimientos industriales, ideas, sueños e ilusiones, estilos personales, y hasta una vida privada en gran parte producto de una técnica, subordinada a una rentabilidad, y a la tensión permanente entre la creatividad y la estandarización; apta para poder ser asimilada por el ciudadano de clase media.
La cultura de masas es el desarrollo de un nuevo modelo en el que se refuerzan las diferencias y las desigualdades con estrategias e instrumentos mercadológicos cada vez más elaborados. La ciencia y el conocimiento se ponen al servicio de la producción de unos valores y símbolos estereotipados.
Los tres pilares fundamentales de esta cultura son: una cultura comercial, una sociedad de consumo y una institución publicitaria.
Según Wikipedia en su apendice Historia de la Estética, El término estética proviene del griego aísthêsis «sensación». Fue introducido por el filósofo alemán Alexander Gottlieb Baumgarten en el siglo XVIII, la sistematización de esta disciplina realizada por Immanuel Kant en, el concepto es aplicable a los estudios sobre el tema efectuados por los filósofos anteriores, los antiguos griegos tenían un vocablo equiparable al actual concepto de estética, que era filocalía, «amor a la belleza».Se podría decir que en Grecia nació la estética como concepto, mientras que con Baumgarten se convirtió en una rama de la filosofía.
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La distinción entre estética e historia del arte es una división contemporánea, ya que en sus inicios la estética no se ocupaba de la temporalidad del arte o los juicios de gusto, sino que estudiaba las ideas estéticas de una forma general y conceptual. (Souriau, 1998, p. 536.) A través del tiempo se han elaborado diferentes opiniones acerca de lo que es estético o no, pero siempre ha habido una opinión que coincide y homogeneiza el concepto, siempre ha existido una estética oficial presentada por la élite dominante o minoría y una estética popular más arraigada en la mayoría.
Carlos Zerpa ha sido el responsable de una exploración totalmente abierta a nuestro inconsciente colectivo, la imaginería popular, la suspensión, los símbolos patrios, la magia, los ídolos infantiles, la fábula del arte y de la historia, de sus propios demonios. Se erige como el dueño de una proposición discontinua, volteada a varios medios, adecuada tanto a las necesidades vitales como a los desarrollos propiamente conceptuales que otorga como resultado una obra coherente, profunda, compleja, profusa y siempre sorprendente en la cual el artista concentra una amplia gama de técnicas y medios" (Cárdenas, 1995). Zerpa es considerado figura clave en los orígenes del arte conceptual en Venezuela, momento en el cual ejecutó obras y performances completamente inusuales, sin renunciar al culto "fetichista" del "objeto de arte", insistiendo en el uso del tricolor nacional y la santería popular. Pertenece a una generación de artistas cuyo trabajo pictórico no sólo explora esos legados, sino que también pone a prueba los límites visuales que permiten expresar temas supuestamente sin valor estético y kitsch.
El arte transforma también los sentimientos negativos en medios de autoliberación, nos da entonces, una libertad interior que no puede ser alcanzada por ninguna otra vía y nos da pie a liberar y subliminar nuestras propias pasiones internas a través de la creación del artista.
El arte, concebido ya bajo los parámetros anteriormente nombrados, y a pesar de su evolución vertiginosa en los últimos tiempos, tanto en conceptos, formas y prácticas, viene arrastrando una segmentación económica y social y es, hasta cierto punto, privilegio de una élite o grupo social más favorecido, que tiene acceso a la educación y a la posibilidad de adquirirlo, hablando en términos de transacciones comerciales.
Paralelamente a este arte culto, educado, refinado e innovador, de élite; el pueblo desarrolla su propio arte bajo sus propios parámetros, sus propias tradiciones y su propia identidad, sin escapar por ello a las influencias y el poder del sector dominante que lo usa cuando le es favorable.
El arte del pueblo, nos refiere Hauser en "Sociología del arte", se ha convertido en un "bien cultural disminuído" pero es probable que haya sido antes un arte "sublime", pues era el único arte practicado antes del surgimiento de la élite cultural que se impuso como dueña y señora de "el arte", pues el arte popular, que actualmente es consumido por las capas semi-instruidas y mal educadas, estimuló en su momento a los creadores del arte sublime "
Al principio existía sólo una forma de arte: la impuesta, el stablishmen. Todo lo que saliera de ello no era considerado arte. Los gremios primero y las academias después regulaban todo en relación al arte convencional. Más tarde surgen las vanguardias desarrolladas hasta hoy día más todos los movimientos surgidos a finales del veinte y principios siglo XXI, fueron ejemplos en su momento de arte no convencional.
El impresionismo, expresionismo, el surrealismo, el dadaismo, el futurismo, el orfismo, el cubismo, el fauvismo, suprematismo, constructivismo, el neoplasticismo, el informalismo, el expresionismo abstracto, el art pobera, el minimalismo, el arte cinético, el pop art, el hiperrealismo fotográfico, el arte conceptual, el happening, body art, land art, y todos los movimientos surgidos como nuevos conceptos que tratan de romper con lo establecido hasta el momento. Hoy día casi, todo el arte es un arte no convencional, el arte contemporáneo es arte no convencional, se busca lo original, lo nuevo, lo nunca visto. El Graffiti es un arte no convencional, un arte considerado vandalismo.
Se caracterizan por el uso de materiales nuevos, ideas nuevas, conceptos nuevos, formas de creación nuevas, procesos nuevos, todo aquello que luche en contra de lo establecido e imponga una nueva forma de ver el arte, alternativo e independiente, con lenguaje propio, transgresor, diferente.
Cuando se trabaja con el arte conceptual y modalidades de arte contemporáneas, existe una libertad artística que libera al artista para crear su propio lenguaje y carisma, considerando arte todo aquello que se cree con intención artística, por lo general en base a una idea. Eso es arte no convencional, por ejemplo el trabajo con materiales como aire, agua o fuego, materiales no convencionales, el uso de procesos como dejar caer plumas desde 5 km de altura y ver donde caen, incluso la creación de una rana con 6 cabezas de color azul hecho por ingeniería genética.( Comentario completo)
Las tribus urbanas son aquellos grupos de amigos, pandillas o simplemente agrupaciones de jóvenes que visten de forma similar, poseen hábitos comunes y lugares de reunión. Cuando los individuos se reúnen voluntariamente, por el placer de estar juntos o por búsqueda de lo semejante, se trata de un grupo o tribu urbana.
El origen de la palabra "tribu urbana" surgió en la segunda mitad del Siglo XX, cuando en las grandes ciudades empezaron a aparecer y expandirse algunas subculturas entre los jóvenes como por ejemplo los hippies, los skins o los punks, que tenían formas de pensar y de actuar independientes a los impuestos por la cultura imperante en la sociedad. Estas subculturas se expandieron de ciudad en ciudad, dando lugar a un fenómeno donde las personas se identificaban con la forma de ser y de pensar de su tribu, creando ecosistemas de pensamientos independientes y paralelos a los del resto de la sociedad en general.
Arte moderno es un término propio de distintos ámbitos del mundo del arte (la historiografía del arte, la estética y teoría del arte y el mercado de arte), que pretende diferenciar una parte de la producción artística, que se identificaría con un determinado concepto de modernidad por oposición al denominado arte académico. Este representaría la tradición; mientras que el arte moderno representaría la experimentación.
Al ser esencialmente un concepto estético y no cronológico, cualquier delimitación de un periodo para el "arte moderno" es problemática, empezando por una dificultad obvia: el arte de la Edad Moderna (de mediados del siglo XV a finales del siglo XVIII) no es lo que se entiende como "arte moderno", mientras que sí lo es el arte de la Edad Contemporánea (desde finales del siglo XVIII hasta la actualidad). Otra ambigüedad evidente es la utilización de la expresión "arte moderno" en oposición a "arte antiguo", que tampoco coincide siempre con el arte de la Edad Antigua (desde el inicio de la historia hasta el siglo V), especialmente en formas como "maestros antiguos" y "maestros modernos", siendo aquellos los del siglo XV al XVII, y estos los posteriores, épocas convencionalmente separadas por criterios historiográficos y museológicos (para ver comentario texto completo haz click aquí)
El origen de la palabra "tribu urbana" surgió en la segunda mitad del Siglo XX, cuando en las grandes ciudades empezaron a aparecer y expandirse algunas subculturas entre los jóvenes como por ejemplo los hippies, los skins o los punks, que tenían formas de pensar y de actuar independientes a los impuestos por la cultura imperante en la sociedad. Estas subculturas se expandieron de ciudad en ciudad, dando lugar a un fenómeno donde las personas se identificaban con la forma de ser y de pensar de su tribu, creando ecosistemas de pensamientos independientes y paralelos a los del resto de la sociedad en general.
Arte moderno es un término propio de distintos ámbitos del mundo del arte (la historiografía del arte, la estética y teoría del arte y el mercado de arte), que pretende diferenciar una parte de la producción artística, que se identificaría con un determinado concepto de modernidad por oposición al denominado arte académico. Este representaría la tradición; mientras que el arte moderno representaría la experimentación.
Al ser esencialmente un concepto estético y no cronológico, cualquier delimitación de un periodo para el "arte moderno" es problemática, empezando por una dificultad obvia: el arte de la Edad Moderna (de mediados del siglo XV a finales del siglo XVIII) no es lo que se entiende como "arte moderno", mientras que sí lo es el arte de la Edad Contemporánea (desde finales del siglo XVIII hasta la actualidad). Otra ambigüedad evidente es la utilización de la expresión "arte moderno" en oposición a "arte antiguo", que tampoco coincide siempre con el arte de la Edad Antigua (desde el inicio de la historia hasta el siglo V), especialmente en formas como "maestros antiguos" y "maestros modernos", siendo aquellos los del siglo XV al XVII, y estos los posteriores, épocas convencionalmente separadas por criterios historiográficos y museológicos (para ver comentario texto completo haz click aquí)
La burbuja del mercado del arte
Como conclusión nuestro evento Espacio Interactivo / Estéticas no Convencionales a realizarse el Sábado 16 de julio 2016 en Centro Cultural Paul Harris CCPH no es organizado por una institución sino por particulares, está pensado en difundir el trabajo desinteresado del artista, no tiene fines de lucro aunque promueve la venta libre del artista/artesano y su interacción con el público por lo tanto es de alguna manera arte indie, arte independiente, creado por y para personas, sin orientación política, religiosa, filosófica o estética, es un ambiente plural, de empoderamiento del artista, respetuoso de la libertad de pensamiento, cuya única intensión es generar un ESPACIO INTERACTIVO
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